全球公共艺术在 2025 年呈现出多样化的创新趋势，艺术家们通过作品探讨历史、身份、生态和社会议题。从波士顿纪念文化符号的巨型耳环秋千，到宾夕法尼亚州纪念非裔劳工的砖砌小径，再到新加坡利用战争遗留物创作的声音装置，这些项目将艺术融入公园、山地和城市空间。它们超越了单纯的物件展示，转而成为促进反思、连接与共生的催化剂，体现了公共艺术在当代社会中日益重要的角色。
Big Hoops to Fill - 波士顿
艺术家 Ja’Hari Ortega 在波士顿市中心打造了一座功能性的秋千装置，其外形是巨大的金色竹节耳环，也就是俗称的“门环耳环”。这座高达10英尺的纪念碑，旨在表彰这一饰品的文化意义。
- 文化象征：作品致敬了在嘻哈文化早期推广这种耳环的黑人和拉丁裔女性。
- 身份认同：它将日常饰品提升为公共艺术，认可了城市中有色人种工薪阶层女性作为 时尚潮流引领者 的重要贡献。
这件作品承认了这些耳环的文化重要性，并正确地将佩戴它们的人——主要是城市的、工薪阶层的有色人种女孩和妇女——视为关键的艺术创新者和时尚影响者。
Don’t Forget to Remember (Me) - 宾夕法尼亚州布林莫尔
在布林莫尔学院，艺术家 Nekisha Durrett 创作了一条蜿蜒的砖砌小径，以纪念被历史忽视的群体。1927年，该学院录取的首位非裔学生 Enid Cook 不被允许住校，而当时校园里她唯一能遇到的其他非裔美国人是负责维护校园的劳工。
- 纪念历史：近250块砖上刻有1900至1930年间在此工作的非裔场地管理员、管家、侍者和洗衣工的名字。
- 象征意义：路径的编织图案形似 辫子发型，其中一些由玻璃制成的砖块在夜间会发光，象征着那些曾被遗忘的个体和他们走过的路。
这件作品通过邀请所有走在这条路上的人永远不要忘记，来探讨高等教育中关于种族歧视、多样性和废除种族隔离的复杂历史。
Deliberate Pauses - 阿拉伯联合酋长国哈塔
Shaikha Almazrou 的作品是在哈塔的山区和远足路径上分散设置的五座红色反光雕塑。它标志着海湾地区公共艺术领域正在发生的重要转变。
- 拒绝奇观：作品摒弃了迪拜公共艺术中常见的浮华与装饰，转而强调 存在、关注和互动。
- 鼓励反思：它邀请人们放慢脚步、倾听和静止，以此作为一种政治姿态，思考我们如何以不同的方式栖居于景观之中。
这件作品开启了一个必要的反思空间。它提问我们如何能以不同的方式居住在风景中，以及在我们这个时代的紧迫性中，刻意停顿意味着什么。
Indistinct Form - 波士顿
Laura Lima 的作品突破了以人类为中心的公共艺术视野。她与野生动物专家合作，在波士顿自然中心内创造了一系列雕塑环境，但这些环境并非为人类观众设计。
- 非人类中心：这些由木材和陶瓷制成的雕塑是为 鸟类和林地生物 居住、占用和改造而设计的栖息地。
- 共享创作：艺术作品在一个活的生态系统中运作，其最终形态是不可预测的，作者身份由跨物种的互动所共享。
这件作品的激进之处在于它的简单性：它承认审美体验并非人类独有，艺术可以从跨物种的接近、触摸和使用中产生。
Close - 乌兹别克斯坦布哈拉
在首届布哈拉双年展上，艺术家 Antony Gormley 与当地工匠合作，在一座16世纪清真寺的废墟内创作了这件作品。它由95吨未烧制的晒干土坯和稻草构成。
- 在地连接：作品采用当地传统建筑技术，手工制作砖块，组成了100个呈蹲、卧或冥想姿势的“像素化”人形雕塑。
- 身体互动：参观者在迷宫般的装置中穿行，被迫与雕塑近距离接触，从而引发对 身体作为居所、历史归属感和共存方式的思考。
Temple - 新加坡
Tuan Andrew Nguyen 在新加坡国家美术馆的屋顶花园上，建造了一座由工业钢铁构成的抽象红色结构。结构上悬挂着六件由特殊材料制成的乐器。
- 材料的证言：这些乐器由从越南中部广治省移除的 未爆炸弹药（UXO） 合金铸造而成。这些材料是越南战争的直接见证。
- 疗愈与反思：乐器被调至据信能促进身体疗愈的频率，邀请游客停下来倾听。作品旨在唤起人们对战争创伤的认识，并探索走向修复与和平的道路。
这件装置巧妙地要求人们意识到这种创伤……它让战争被埋葬的历史和未被听闻的失落故事变得可见，同时用这些残余物创造出一种新形式，从而探索一条通往恢复与和平的道路。
Ether - 奥克兰
在新西兰奥克兰市的一家酒店，Judy Darragh 创作了一件长达11米的巨大充气雕塑。这件作品以其大胆的色彩和形态，重新定义了城市的天际线。
- 女性力量：在新西兰，公共艺术领域长期由男性主导。这件作品为 女性艺术家 提供了重要的展示机会，Darragh 本人也一直倡导提高女性艺术家的能见度。
- 感官冲击：艺术家希望观众在看到作品时能感到“被打动”，相信艺术应该是 具有变革性 的体验。
The Key’s Under the Mat - 悉尼
艺术家 Mike Hewson 将一个2200平方米的空间改造成一个集公园、游乐场、烧烤区、洗衣房、录音室和艺术家驻地于一体的 大型社交雕塑。
- 挑战边界：这个项目是对社区和社会参与式公共艺术实践的一次大师级展示。它利用回收物品，为所有年龄段的人创造了一个巨大的共享空间。
- 公众的呼声：自开放以来，已有超过10万名游客到访，这向艺术机构传达了一个信息：这正是人们希望从他们的公共艺术馆中得到的体验。
这件艺术品最终挑战了我们对画廊环境的看法（尤其是我们如何在其中行为），以及什么是公共艺术。
The Big Hose - 布里斯班
Tony Albert 与 Nell 合作创作了一条长达119米的巨型花园水管雕塑，它蜿蜒盘旋在地面上。作品表面饰有复杂的飞旋镖图案，并隐藏着笑脸座椅和一只昏昏欲睡的水鼠雕塑等细节。
- 多层含义：这件作品表面上看似在描绘澳大利亚夏日的水边嬉戏场景，实则融合了关于 原住民历史、移民和艺术 的深刻内涵。
- 全民共享：它既能激发孩子们的想象力，也能让成年人回味童年，为所有人提供了不同的体验。
Where is Maurizio? - 纽约、伦敦、阿姆斯特丹
艺术家 Maurizio Cattelan 发起了一场国际寻宝游戏，将三件手绘的微型自画像雕塑藏在日常零售店中，并以极低的价格出售（例如在纽约一家杂货店卖0.50美元）。
- 颠覆价值：这场“概念性恶作剧”与他动辄数百万美元的拍卖作品形成鲜明对比，幽默地颠覆了艺术市场中关于 价值、准入和作者身份 的观念。
- 公众参与：项目通过线上线索邀请全球参与者寻找。这既是一件公共艺术品，也是一场参与式游戏和营销活动，模糊了艺术与日常生活的界限。